16 Filme, die schockierend NICHT 100% auf faulen Tomaten haben

Ein neuer Film erscheint auf der kritischen Zusammenstellungsseite Rotten Tomatoes und behält auch nach dem anfänglichen Wirbel von 25, 50, vielleicht sogar 75 Rezensionen eine perfekte 100% Fresh-Punktzahl bei. Danach wird es zu einem Wartespiel unter den Followern der Site, da sie ihre Browser den ganzen Tag über wiederholt aktualisieren, um zu sehen, welcher Kritiker es wagen wird, es mit einer faulen Bewertung auf 99% zu reduzieren. Sobald dies geschieht, beginnt die Debatte. Ist dieser Kritiker ehrlich? Oder ist dieser Kritiker nur ein Keuchen! - Contrarian, der den Film nur wegen einiger Momente der Internet-Infamie (und Seitenaufrufe) von seinem hohen Platz stößt?

Es ist unmöglich zu sagen, obwohl wir gerne auf der Seite der Integrität des Rezensenten irren möchten. Auf jeden Fall ist diese einsame Stimme, die sich gegen die Mehrheit stellt, kaum ein neues Phänomen, da selbst die Klassiker von gestern - die Filme, die immer wieder in Diskussionen über die größten Filme aller Zeiten erwähnt wurden - hier und da wenig schmeichelhaften Kritiken unterzogen wurden. Interessanterweise sind viele dieser Rezensionen, obwohl sie Jahrzehnte alt sind (über Links), auf Rotten Tomatoes erhalten geblieben.

Glücklicherweise haben viele der anerkannten Meisterwerke des Kinos - Filme wie Citizen Kane, All About Eve, Singin 'in the Rain und The Maltese Falcon - zu Recht eine 100% frische Bewertung auf der Website erhalten. Andere Edelsteine ​​haben nicht so viel Glück. Hier sind also 16 Filme, die Sie schockieren werden, wenn Sie erfahren, dass Sie nicht 100% auf faulen Tomaten haben.

16 Um einen Spottvogel zu töten (91%)

Gregory Pecks Oscar-gekrönte Leistung als Anwalt Atticus Finch ist das Fundament von To Kill a Mockingbird aus dem Jahr 1962, einer der seltenen Fälle, in denen ein Film die Essenz seines Ausgangsmaterials einfängt, ohne es jemals zu gefährden. Atticus 'Tochter Scout (Mary Badham) bietet einen großartigen Einblick in die einzigartige Art und Weise, wie Kinder die Welt um sich herum sehen. Atticus' Tochter Scout (Mary Badham) lernt wertvolle Lektionen fürs Leben, indem sie ihrem Vater dabei zuschaut, wie er einen schwarzen Mann verteidigt (Brock Peters)) gegen betrügerische Vergewaltigungsvorwürfe in einer kleinen südlichen Stadt.

Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung des Films bot Andrew Sarris in der Village Voice eine blasige Rezension an, die ihn als „überbewerteten Trickfilm“ bezeichnete und erklärte, dass „der Neger weniger ein runder Charakter als ein liberales Konstrukt ist

unendlich edler als seine Ankläger des weißen Mülls [und] unglaublich rein von Herzen. “ Roger Ebert analysierte den Film (vielleicht zu Unrecht) aus einer modernen Perspektive und verbrachte seine Rezension von 2001 damit, das, was er als Naivität empfand, weitgehend zu beschimpfen, insbesondere in Szenen, von denen er behauptet, dass sie nur noch „einem müden Zynismus begegnen könnten.

Ein Spottdrossel zu töten ist, wie gesagt, eine Zeitkapsel. Es drückt die liberalen Frömmigkeiten einer unschuldigeren Zeit aus. “

15 Vom Winde verweht (94%)

Aus sozialer Sicht ist diese Adaption von Margaret Mitchells Bestseller von 1939 nach wie vor kontrovers. Zusammen mit DW Griffiths Geburt einer Nation ist Gone with the Wind der Film, der am meisten dafür verantwortlich ist, die Übel des Rassismus zu tünchen und eine romantisierte Vision des alten Südens für die gesamte Nation schmackhaft zu machen. Rein filmisch gesehen ist dieses Drama über die Kämpfe einer südlichen Familie während des Bürgerkriegs ein echter Schatz, ein faszinierendes Epos, das sich durch atemberaubende Errungenschaften im reinen Filmemachen auszeichnet. Offensichtlich haben Kritiker immer stärker auf seine technischen Fähigkeiten reagiert als auf seine thematische Wunde, da es seit langem als eine der besten Errungenschaften Hollywoods angekündigt wird.

Es gab einige Andersdenkende auf dem Weg. Arthur Schlesinger, der den Film während seiner Neuauflage von 1973 erneut besuchte, schrieb in The Atlantic, dass er durch „einen Morast nicht überzeugender Sentimentalität belastet ist. Es strebt nach Oper und erreicht Seifenoper. Es ist langweilig. " Schlesingers atlantischer Kollege Richard Schickel, der ebenfalls die Neuveröffentlichung von 1973 mitbekam, meinte weiter, der Film sei "seltsamerweise leblos - meistens ein Gespräch und ein sehr blumiges Gespräch". Er wies es als "glänzend, sentimental, kichernd" ab.

14 ES IST EIN WUNDERBARES LEBEN (94%)

In Frank Capras "Es ist ein wundervolles Leben" von 1946 liefert James Stewart seine wohl größte Leistung als anständiger George Bailey, der eine himmlische Intervention benötigt, um durch das zu kommen, was nur als seine dunkle Nacht der Seele beschrieben werden kann. Es ist ein wundervolles Leben, das die Kraft hat, die Zuschauer zu Tränen zu bewegen, und dies nicht durch eklatantes Drücken von Knöpfen, sondern durch ehrliches Zeigen, wie das Leben eines Individuums wirklich etwas zu feiern ist.

Capras Kritiker nannten seine Bilder oft "Capracorn", und dieser abfällige Begriff findet sich in Manny Farbers Abschaffung des Films in der Neuen Republik. Wie er es ausdrückt: "Es ist ein wundervolles Leben, das neueste Beispiel von Capracorn, zeigt seine Kunst auf einem hysterischen Spielfeld." Farber kritisiert dann die "absurd stark vereinfachten Charakterisierungen und unerträglichen Launen" des Regisseurs.

13 EIN FLUG ÜBER DAS NUCKERNEST (95%)

Bemerkenswert als einer von nur drei Filmen, die alle fünf großen Oscar-Preise gewonnen haben (es geschah eine Nacht und das Schweigen der Lämmer sind die anderen). 1975 flog One Flew Over the Cuckoo's Nest ebenso hervorragend wie eine Komödie, ein Drama und eine Gesellschaftskritik. Jack Nicholson ist sensationell als Randle McMurphy, ein lebender Draht, der psychische Erkrankungen vortäuscht und in einer Einrichtung landet, die von der diktatorischen Krankenschwester Ratched (Louise Fletcher) geleitet wird.

Zwei Bigwigs aus den USA, Vincent Canby von der New York Times und Richard Schickel vom TIME Magazine, haben den Film bei seiner Veröffentlichung gedreht, obwohl es die Rezension des britischen Schreibers Kenneth Robinson in The Spectator von 1976 war, die sich als die hysterischste herausstellte - in beiden Richtungen das Wort.

Robinson enthüllt McMurphys letztes Schicksal zu Unrecht im ersten Absatz und nennt den Film "ekelhaft" und "verheerend schrecklich", bevor er zu dem Schluss kommt, dass "der Film mir - abgesehen von einigen sehr guten Leistungen - nichts zu bieten hat - abgesehen von einem anhaltenden Gefühl von Übelkeit."

12 SCHINDLER-LISTE (96%)

Es dauerte nicht lange, bis Steven Spielbergs Holocaust-Drama von 1993 in den Annalen des Kinos Fuß gefasst hatte. Seine Dominanz auf den 10 besten Listen der Kritiker zum Jahresende war ebenso selbstverständlich wie sein Oscar-Gewinn für das beste Bild. Aber 1998 hat Schindlers Liste seine Muskeln als sofortiger Klassiker wirklich angespannt. Nur fünf Jahre nach der Veröffentlichung des Films platzierte das American Film Institute ihn auf Platz 9 seiner Liste der 100 größten amerikanischen Filme aller Zeiten, und die Überarbeitung der Liste im Jahr 2007 brachte ihn auf Platz 8.

Doch nicht jeder Rezensent war beeindruckt von Spielbergs Leistung. Ein Andersdenkender war Joanne Kaufman vom People Magazine, deren Kritik auf dem zentralen Charakter von Oskar Schindler (Liam Neeson) beruhte, dem deutschen Kriegsprofiteur, der im Alleingang Tausende von Juden vor der Ausrottung rettete. Kaufman schrieb: „Der Film erklärt nie erfolgreich, was Neeson, ein Mitglied der NSDAP, ein bislang unauffälliger Mann und ehrlich gesagt ein bisschen wie ein Cad und ein Schwein, zu einer solchen Veränderung von Geist und Herz und zu solch spektakulären Heldentaten treibt. [H] ist ein epiphänomenaler Moment

scheint dünn und pat."

11 ANNIE HALL (97%)

Nachdem Woody Allen jahrelang Bilder produziert hatte, die nur dazu gedacht waren, herzhaftes Lachen auszulösen, war er 1977 Filmemacher bei Annie Hall, einer unvergleichlichen Seriokomödie, in der der Neurotiker Alvy Singer (Allen) über seine Beziehung zur ebenso neurotischen Annie Hall (Diane Keaton) nachdenkt. Kritiker, Publikum und Akademiemitglieder nahmen den Film begeistert an, und Allen wurde nicht mehr nur als kluger Komiker, sondern auch als künstlerisches Genie gefeiert.

Doch gerade Allens Fähigkeit, seine Karriere zu verbessern, veranlasste Gary Arnold von der Washington Post, seine Beschwerden über den Film zu äußern. "Nach Slapstick-Farcen, die so üppig und urkomisch sind wie Sleeper und Love and Death, kommt Annie Hall als sanfte, verschwommene, leicht ablenkende Enttäuschung", schrieb er. „Obwohl es lustige Linien und Situationen gibt, sind sie in der Regel weit verbreitet und sparsam verstreut. Persönlich empfinde ich die Veränderung in Allens Herangehensweise als emotionalen und stilistischen Entzug. “

10 PSYCHO (97%)

Allerdings war nicht jeder von The Masters Film elektrisiert. Die ZEIT sah auch auf diesen herab, obwohl es Robert Hatch von The Nation war, der von dem Bild besonders empört war. "Ich bin beleidigt und angewidert", enthüllte er. „Die klinischen Details der Psychopathologie sind für triviale Unterhaltung nicht wesentlich. Psycho versetzt Sie in die Lage, sich vor den Schrecken des kranken Geistes zu schützen. du fühlst dich unrein. “

9 JAWS (97%)

Steven Spielberg wurde mit Peter Benchleys gigantischem Bestseller über einen Weißen Hai betraut, der eine Gemeinde am Meer in New England terrorisiert, und arbeitete mit extrem dünnem Ausgangsmaterial. Mit nur einem weiteren Kredit (The Sugarland Express von 1974) war das Katastrophenpotential enorm - zumal der mechanische Hai die meiste Zeit nicht funktionierte!

Der Regisseur, der sich an einem Drehbuch orientierte, das das Buch verbesserte, schuf schließlich einen sofortigen Klassiker mit Jaws aus dem Jahr 1975, einem Film, der den größten Teil seines Erfolgs Spielbergs hervorragender Orchestrierung der aufregenden Versatzstücke und Schocksequenzen verdankt.

Der Kritiker der Los Angeles Times, Charles Champlin, räumte zwar ein, dass die Hai-Sequenzen „spannend gemacht“ wurden, bezeichnete Jaws jedoch als „eine grobkörnige und ausbeuterische Arbeit, deren Wirkung vom Übermaß abhängt“. Und während er die Aufführungen von Roy Scheider und Richard Dreyfuss bewunderte, bemerkte er: „An Land ist es langweilig, umständlich inszeniert und klumpig geschrieben. [Es] ist Melodram, breit und offensichtlich. “

8 LAWRENCE OF ARABIA (97%)

David Leans Epos Lawrence von Arabien von 1962 gilt seit langem als einer der größten Filme, die jemals gedreht wurden, und sein Status geht weit über die kritische Gemeinschaft hinaus. Zu den zahlreichen Auszeichnungen zählen sieben Oscar-Siege und eine hohe Platzierung (# 7) auf der AFI-Liste 2007 der 100 besten amerikanischen Filme. Was Peter O'Toole betrifft, sind sich alle einig, dass seine Leistung als britischer Abenteurer TE Lawrence einwandfrei ist.

Mach das fast jeder. Einer der Kritiker des Monthly Film Bulletin, einer Veröffentlichung des British Film Institute, die später Teil des einflussreichen Magazins Sight & Sound wurde, schrieb: „Peter O'Tooles Leistung, sympathisch, intelligent und engagiert, fehlt die ultimative Starqualität, die es gibt würde den Film mitheben. “

Auf dieser Seite des Atlantiks hat Bosley Crowther von der New York Times O'Toole verschont, aber nicht die Behandlung seines Charakters durch den Film, und behauptet, dass der Film „eine legendäre Figur auf eine konventionelle Größe eines Filmhelden inmitten einer großartigen und exotischen Landschaft reduziert, aber eine konventionelle viele Actionfilm-Klischees. “

7 CASABLANCA (97%)

Bogart und Bergman als Rick und Ilsa. Laszlo und die Transitbriefe. Kapitän Renault und seine charmante Bestechlichkeit. "Im Laufe der Zeit." "Hier siehst du dich an, Junge." Sie kennen die Routine. Runden Sie also die üblichen Auszeichnungen für Casablanca aus dem Jahr 1942 ab, dessen Ansehen als eines der beliebtesten und zitierfähigsten Bilder Hollywoods im Laufe der Zeit unvermindert bleibt.

Casablanca freute sich über die Kritiker und schnappte sich außerdem den Oscar für das beste Bild, aber die Curmudgeons des TIME Magazine hatten nichts davon. In der wöchentlichen Zusammenfassung der Neuerscheinungen der Veröffentlichung verwendete der beauftragte Kritiker seine Rezension hauptsächlich, um die physischen Erscheinungen der Schauspieler zu kommentieren - für den Anfang sieht Bogart „so aus, als würde Buster Keaton Paul Gaugin spielen“, während SZ Sakall „erwägen sollte, sein Gesicht zu tragen ein Büstenhalter “- bevor er zu dem Schluss kommt:„ Eine Invasion kann Casablanca nicht viel bringen. “ Es ist schwer vorstellbar, dass jemand diese Rezension ernst nahm, da der Kritiker Cary Grant in der Zusammenfassung eines der anderen neuen Filme dieser Woche (Es war einmal eine Hochzeitsreise) wiederholt als „Gary Grant“ bezeichnete.

6 EINMAL IM WESTEN (98%)

Sergio Leones Opern-Oater zeichnet sich nach wie vor durch eine Reihe von Erfolgen aus, darunter die Besetzung des Hollywood-Helden Henry Fonda als kaltblütiger Killer und die Art und Weise, wie die Grafik wunderbar zu Ennio Morricones außergewöhnlicher Partitur passt (Morricone komponierte seine Musik tatsächlich, bevor Leone mit den Dreharbeiten begann).. Aber nur in anderen Ländern konnten die Zuschauer alle 165 Minuten dieses Klassikers von 1968 genießen, da die im folgenden Jahr in den USA veröffentlichte Version um 20 Minuten gekürzt wurde. Erst viel später wurde der gesamte Schnitt in den USA zur Verfügung gestellt.

Roger Ebert überprüfte das Bild, als es 1969 zum ersten Mal in den USA erschien, und es war ja die Länge, die zu seiner lauwarmen Überprüfung führte. Während er zugibt, dass der Film „viel Spaß macht“ und sich durch „einige interessante Aufführungen“ auszeichnet, beklagte er auch die Tatsache, dass „der Film fast drei Stunden lang mit Unterbrechung läuft und zwei Fehlalarme auslöst, bevor er schließlich endet“.

5 Eine harte Nacht (98%)

Im August 1964, sechs Monate nach dem legendären Auftritt der Beatles in der Ed Sullivan Show, erscheint Regisseur Richard Lesters Wahrzeichen A Hard Day's Night wie ein Dokumentarfilm, klingt wie ein Musical und fühlt sich wie eine Komödie an. In diesem Moment des Standbilds wirken John, Paul, George und Ringo wie nichts anderes als völlige Unschuldige, die bereit sind, ihre freudigen Klänge mit der Welt zu teilen. Es ist kein Wunder, dass der Film von Village Voice-Kritiker Andrew Sarris als "Citizen Kane der Jukebox-Musicals" beschrieben wurde, da so viele klassische Stücke in rasender Eile vom Bildschirm strömen.

Jonas Mekas, der andere Kritiker der Village Voice, war anderer Meinung und nutzte seine Kritik sogar, um Sarris zur Rede zu stellen. "Nur wer die Arbeit der Filmemacher des 'neuen amerikanischen Kinos' in den letzten drei Jahren überhaupt nicht kennt, kann A Hard Day's Night, sogar im Scherz, Citizen Kane des Handkinos nennen (Sarris hat es getan)." Was das Bild selbst angeht, murrte Mekas: „Weder gutes Schauspiel noch gute Fotografie können einen guten Film machen.

Bestenfalls macht es Spaß. Aber 'Spaß' ist keine ästhetische Erfahrung: Spaß bleibt an der Oberfläche. “

4 CHINATOWN (98%)

"Vergiss es, Jake. Es ist Chinatown." Diese unsterbliche Linie ist genug, um jeden Filmliebhaber in Ohnmacht zu versetzen, aber es ist nur einer der unzähligen klassischen Momente in diesem Neo-Noir-Meisterwerk von 1974 von Regisseur Roman Polanski, Drehbuchautor Robert Towne und Star Jack Nicholson, der in den 1930er Jahren als Privatdetektiv besetzt wurde Los Angeles, der in eine labyrinthische Verschwörung verwickelt ist, die Mord und politische Korruption beinhaltet.

Die Tatsache, dass Chinatown die Bewunderung seiner Kollegen verdiente und anschließend 11 Oscar-Nominierungen erhielt (Gewinn für das beste Original-Drehbuch), beeindruckte Gene Siskel nicht, der in der Chicago Tribune schrieb, dass er den Film „von Anfang bis kurz vor dem Ende mühsam fand. Die meisten Probleme liegen in Polanskis Richtung. Die Eröffnungsaufnahme fast jeder Szene war so künstlich überkomponiert, dass man Jack Nicholson bewusst machte, wie er 30er-Jahre-Kleidung trug, während er in einem Raum stand, der wie ein 30er-Jahre-Raum aussah, während er mit Stereotypen sprach, die aus einer Auswahl von 30er-Jahren-Filmen stammen. ”

3 SPIELZEUGGESCHICHTE 3 (99%)

Pixars beständigstes Franchise hätte fast den Hattrick geschafft, aber am Ende war es ein Prozentpunkt zu kurz. Es ist sicherlich beeindruckend, dass die Toy Story von 1995 aus 78 Bewertungen eine 100% frische Bewertung hat. Und es ist bemerkenswert, dass Toy Story 2 aus dem Jahr 1999 mit 163 Bewertungen ebenfalls eine 100% Fresh-Bewertung aufweist. Aber mit fast 300 Bewertungen waren die Chancen gegen Toy Story 3 aus dem Jahr 2010 dramatisch gestapelt, ohne ein paar Andersdenkende in den Reihen zu finden.

Der Chef unter diesen Neinsagern war natürlich der ehemalige Rezensent der New York Press, Armond White, dessen Online-Bekanntheit als Contrarianer größtenteils auf seine Verprügelung dieses Films zurückzuführen war. Am selben Tag, an dem er eine begeisterte Rezension für Jonah Hex („Wahre Kunst“) einreichte, schwenkte White Toy Story 3 als „ein gelangweiltes Spiel, in das sich nur die Gehirnwäsche einkaufen wird. Außerdem Transformers 2 [Transformers: Revenge of the Fallen] haben bereits die gleiche Handlung zu größerem Nervenkitzel und Opulenz erkundet. “

2 DER GOTT (99%)

Während Filmfans weiterhin darüber streiten, ob Francis Ford Coppolas The Godfather oder The Godfather: Part II das Beste aus der Trilogie ist (The Godfather: Part III aus den 1990er Jahren geht nie in die Diskussion ein), lässt sich nicht leugnen, dass der erste Film mehr Wirkung gezeigt hat als sein 1974 Follow-up. The Godfather wurde 1972 veröffentlicht und zerschmetterte die Kassenrekorde, belebte Marlon Brandos Karriere, machte aus Al Pacino einen Star und verwandelte "Ich werde ihm ein Angebot machen, das er nicht ablehnen kann" in ein allwissendes Filmzitat. Dennoch kann keiner der Filme eine 100% ige Bewertung für faule Tomaten beanspruchen, wobei Teil II zu 97% frisch und das Original zu 99% frisch ist.

Die einzige negative Bewertung zu RT für The Godfather stammt von dem New Republic-Kritiker Stanley Kauffmann, der sich hauptsächlich auf Brandos Leistung konzentrierte. „Ich sehe nicht ein, wie ein begabter Schauspieler weniger hätte tun können als Brando hier. Seine ansässige Macht, seine bloße angeborene Kraft, schien selten schwächer zu sein. “ Kauffmann hat die anderen Teilnehmer nicht verschont und erklärt, dass Pacino "in einem für ihn zu anspruchsvollen Teil herumrasselt" und Coppola "all seinen begrenzten Einfallsreichtum für die Schüsse und Würgen gespart hat, die zu den bösartigsten gehören, an die ich mich erinnern kann."